“Crystal es un intento de desnudar el sonido”

El guitarrista Álvaro Toscano nació en Córdoba y vive actualmente en Socuéllamos, Ciudad Real, desde donde ha atendido mi llamada telefónica. Pese a su juventud (nació en 1997), Toscano tiene una trayectoria marcada por el triunfo en importantes concursos internacionales que ha culminado al obtener en septiembre pasado el Primer Premio y el Premio del Público en el 58º Certamen Internacional de Guitarra Francisco Tárrega de Benicasim. Crystal es su primer disco.

–¿Cuál es la idea que sostiene el programa del disco?

–Nace de una necesidad muy clara. Vivimos un momento en el que todo tiene que brillar, mostrarse, impresionar. Yo sentía la necesidad de afirmar justo lo contrario, de hacer algo sin tantos artificios y sin esa voluntad de deslumbrar. Crystal es, en el fondo, un intento de mostrar la honestidad de la música, de desnudar el sonido. El programa está formado por obras de compositores españoles del siglo XX, con un aire muy mediterráneo, y esas piezas están intercaladas por pequeñas improvisaciones mías que llamo Crystal. Algunas sirven como nexo de unión y otras funcionan casi como separadores. Siempre pongo el ejemplo de cuando estás probando perfumes y te hacen oler café para resetear el olfato. Aquí ocurre algo parecido. Todas las obras del repertorio se desarrollan en un plano muy horizontal y las improvisaciones buscan lo contrario, detener el tiempo, sostener una atmósfera sin mayor pretensión formal.

–“Angelico” de la Música callada de Mompou abre el disco casi como una declaración de intenciones.

–Mompou es uno de mis compositores favoritos. Él mismo decía que era un hombre de pocas palabras y músico de pocas notas, y eso encaja de una manera increíble con la guitarra. Es un instrumento íntimo, que no necesita hacer mucho para demostrar su naturaleza. La música de Mompou es un espacio de contemplación más que un discurso formal, aunque tenga influencias francesas muy claras, como Satie o Fauré. Además, en este caso no me gusta hablar ni de transcripción ni de arreglo. En Mompou, y especialmente en Música callada, lo que toco en la guitarra es literalmente lo que está escrito para el piano. Es una música de muy pocas notas y creo que se sostiene perfectamente en la guitarra tal y como él la concibió.

–Alba Nova es la obra de una guitarrista, María Camahort.

–Es una obra muy poco tocada, creo que apenas se ha grabado un par de veces. María conoce el instrumento a la perfección. Compuso Alba Nova durante la pandemia y el título alude a ese nuevo amanecer, a la necesidad de buscar luz en un momento de incertidumbre. Instrumentalmente es una pieza muy interesante. Nace de gestos muy naturales de la guitarra y tiene una sonoridad muy mediterránea, muy ligada a la esencia del instrumento. Evoca, respira, se detiene. Para mí encajaba perfectamente en el discurso del disco.

–La Suite Mística de Vicente Asencio es la obra más extensa del programa y tampoco es habitual.

–Es una obra de los años 70. El segundo movimiento, “Dipsô”, fue un encargo de Radiotelevisión Española y posteriormente Andrés Segovia pidió a Asencio que escribiera dos movimientos más para completar la suite. Al principio se llamó Suite Evangélica, pero Segovia decidió cambiar el título por Suite Mística. Los títulos de los movimientos (“Getsemaní”, “Dipsô” y “Pentecostés”) son referencias religiosas muy claras. Pero para mí, más que referencias literales, funcionan como estados interiores. “Getsemaní” es un estado de soledad y fragilidad. “Dipsô”, que significa “tengo sed”, es un vacío existencial. “Pentecostés” representa la apertura, una luz transformadora. Es un recorrido que va de lo más oscuro a una claridad profundamente humana.

–Incluye dos piezas de Iberia de Albéniz, en arreglos de Javier Riba y Carles Trepat. ¿Por qué Albéniz y por qué Iberia?

–El disco tiene un componente plenamente mediterráneo. Muchas veces, cuando hablamos de Albéniz en la guitarra, pensamos en la Suite Española, que tiene un aire más popular. Iberia, en cambio, es música impresionista, muy evocadora, muy ligada al color y a la creación de sonidos en el espacio. Estas dos piezas eran fundamentales para mí. Además, la Iberia en la guitarra adquiere un color muy especial. En “El Albaicín”, Debussy decía escuchar los ecos de una guitarra que se lamenta en la noche. Los pianistas siempre intentan evocar la guitarra cuando la tocan. Mi trabajo no es imitar el piano, sino devolver esa pulsación íntima desde la propia voz de la guitarra, ofrecer otra perspectiva de la misma escena.

–También incluye Il Faisait Encore Nuit de Marco Smaili, una obra que tocó el año pasado en el Festival de la Guitarra de Sevilla.

–Exacto, le dio además título al concierto. Marco es uno de los mejores compositores españoles para guitarra. Su música nace del color del instrumento. Es formalmente muy sólida, pero lo más importante es cómo utiliza los colores para construir un discurso, algo muy distinto a otras corrientes estéticas más centradas en el virtuosismo.

–El disco insiste en una idea de intimidad, de música callada. Hay quien piensa que el mundo de la guitarra es demasiado ensimismado, solipsista. ¿Cómo lo vive usted?

–Yo vivo en ambos lugares. Toco con orquesta, hago música de cámara, a veces en contextos que exigen mucha extroversión. Pero creo que la guitarra es un instrumento extremadamente polivalente. Está presente en muchísimas culturas y puede ser festiva o profundamente íntima. Lo importante es no acomplejarse. Más que el repertorio, lo que importa es la imagen que uno tiene del instrumento. Si uno toca pensando que la guitarra es limitada, eso se transmite. Yo he tocado este repertorio en festivales que van más allá de la guitarra y el público ha respondido de forma extraordinaria.

–¿Es un programa pensado solo para el disco o lo llevará al escenario?

–Es un programa que se puede llevar al directo, pero solo en determinados contextos. Espacios pequeños, con pocas personas, donde el silencio sea posible. Alguna de las piezas incluye electrónica y la grabación está pensada desde una cercanía muy concreta. No es un programa que funcione siempre en concierto. Para mí es, sobre todo, un programa de disco.

–Los cuatro Crystal son breves improvisaciones. ¿La improvisación forma parte habitual de su práctica?

–Sí, depende del contexto y del repertorio, pero improviso con frecuencia. La guitarra, por su propia naturaleza, invita a improvisar. Estamos muy pendientes de la partitura y, cuando improvisas, aparece una libertad distinta. Decidí incorporar al disco algo que ya hacía en concierto.

–¿Qué espera de Crystal?

–Este disco no tiene ninguna pretensión. Es una necesidad de quitarme capas, de dejar a un lado concursos y reconocimientos, y poner la música sin artificios. No busco agradar ni hacerme famoso. Si quisiera eso, elegiría otros repertorios. Para mí se trata de seguir conectado al sonido y al amor por el sonido.

–¿Ya hay un segundo disco en el horizonte?

–Sí, de hecho lo grabé la semana pasada. Tras ganar el Certamen Francisco Tárrega, el premio incluye una grabación, que en este caso será con Contrastes Records. Será un disco dedicado al Romanticismo. Ahora toca dejarlo reposar y seguir adelante.

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